Cartoni animati

I primi giorni dei cartoni animati silenziosi sono pieni di altrettanti esperimenti diversi rispetto alle loro controparti d'azione dal vivo.

Gli animatori dovevano trovare il modo di andare oltre la semplice novità del processo e creare qualcosa di divertente e fluido, un compito particolarmente difficile, considerando l'enorme forza lavoro necessaria per sfornare cartoni animati in un momento in cui tutta la tecnologia era fatta a mano.

Celluloide trasparente, o "cels", consentiva un modo più efficiente di riprodurre ogni fotogramma e gli animatori pionieri Max e Dave Fleischer inventarono un processo chiamato Rotoscope nel 1916, che proiettava il clown live-action direttamente su un tavolo da disegno.

Il loro personaggio di Koko the Clown è stato inizialmente creato con uno dei fratelli Fleischer che recita le buffonate di Koko, mentre l'altro ha reso l'azione frame-by-frame.

Molti primi personaggi erano semplicemente trasferimenti da strisce di giornale - Krazy Kat, Mutt e Jeff - ma nel 1919 apparve un personaggio originale, un gatto facile da disegnare perché era tutto nero.

Il suo nome era Felix, e la sua coraggiosa intraprendenza portò i critici a paragonarlo a Chaplin (che negli anni '10 apparve per breve tempo come personaggio animato).

Nel 1923 "Felix in Hollywood", il nostro eroe in realtà svita la sua coda e la usa come bastone per l'imitazione di Chaplin.

Felix è stato anche il primo personaggio animato ad essere autorizzato per prodotti commerciali.

Nel 1923 "Felix in Hollywood", il nostro eroe in realtà svita la sua coda e la usa come bastone per l'imitazione di Chaplin.

Felix è stato anche il primo personaggio animato ad essere autorizzato per prodotti commerciali.

Nel 1923 "Felix in Hollywood", il nostro eroe in realtà svita la sua coda e la usa come bastone per l'imitazione di Chaplin.

Felix è stato anche il primo personaggio animato ad essere autorizzato per prodotti commerciali.

Secondo lo storico dell'animazione Leonard Maltin, alla fine degli anni '20, "sempre più artisti e vignettisti hanno imparato l'animazione e hanno iniziato a esplorare sempre di più ogni anno che passavano come si potevano fare cose in un'animazione che non si poteva fare in un live film d'azione.

Hanno creato un linguaggio completamente nuovo per il cartone animato che ha conferito a quei personaggi abilità anche al di là di Charlie Chaplin e Buster Keaton - e in realtà sta dicendo qualcosa.

Ma l'animazione dei cartoni animati avrebbe potuto essere bloccata senza l'invenzione della sincronizzazione del suono a metà 1920.

C'erano stati alcuni cortometraggi "segui-la-palla-rimbalzante", che usavano la musica, ma l'industria fu rivoluzionata nel 1928, quando il produttore Walt Disney reintrodusse un personaggio chiamato Mickey Mouse in un breve "Steamboat Willie".

"Le precedenti due silenziose avventure di Topolino non erano nemmeno state girate per la distribuzione, ma il suo nuovo cortometraggio aveva un punteggio sonoro sincronizzato (ed è stato deliziosamente illustrato da Ub Iwerks).

Il pubblico lo adorava e Disney costruiva il suo impero sul topolino, a cui dava sempre credito.

Il suono esagerato si adattava a un movimento esagerato, ed era solo l'elemento che i cartoni animati avevano bisogno di sollevare da terra.

Il suono ha anche accelerato la necessità di tempo; ora era ancora più cruciale per un fumetto di successo avere il giusto tempismo; era un trucco difficile da padroneggiare.

L'animatore Pioneer Chuck Jones ha affermato che "l'animazione è l'arte del tempismo... la differenza tra un'enorme risata e un flop può essere un fotogramma.

Con il successo dei brevi soggetti di Walt Disney ( Silly Symphonies), gli studi cinematografici di Hollywood hanno creato divisioni di animazione a tempo pieno (i cartoni animati della Disney sono stati distribuiti da RKO); poiché ogni presentazione di film all'epoca comprendeva diversi soggetti e cartoni animati, l'animazione divenne un fattore decisivo per gli studi.

Inoltre, come per la creazione di star del cinema dal vivo, gli studios dovevano creare personaggi con i quali il pubblico potesse identificarsi e dare il benvenuto settimana dopo settimana.

I creatori di cartoni animati ora dovevano espandere la loro tela in modo drammatico, e questo significava entrare a far parte del mondo del dramma.

Come un altro pioniere, Walter Lantz ( Woody Woodpecker ) ha detto:

Un animatore è come un attore davanti alla telecamera, solo lui deve recitare i suoi sentimenti e interpretare quella scena con la sua matita; deve anche sapere come spaziare i personaggi perché la spaziatura dei loro movimenti determina il tempo; deve conoscere l'espressione; deve conoscere il sentimento; deve conoscere il personaggio e farlo camminare con un'azione divertente.

La vita come animatrice per una divisione di studio era caotica, intensa, frustrante e spesso molto divertente.

I dirigenti, a parte la Disney, raramente sapevano come gestire quegli strani uomini che disegnavano cartoni animati e animatori, spesso stufi di un leggero o di un altro, sparsi tra i vari studi con una frequenza allarmante; anche il fan più accanito dell'animazione avrebbe difficoltà a mantenere la scorecard dritta.

La Warner Bros ha iniziato la propria divisione nel 1930 animando canzoni dal loro vasto catalogo musicale con il titolo di Looney Tunes e presto ha aggiunto un'altra serie di pezzi unici chiamati Merrie Melodies.

Ma questi inizialmente furono concepiti senza personaggi di successo; altri studi stavano avendo fortuna a disegnare la propria stalla di stelle.

Fleischer creò Betty Boop nel 1930 e portò lo eroe dei fumetti Popeye sullo schermo nel 1931.

Disney aggiunse Donald Duck al serraglio di Mickey nel 1934 e gli uccelli acquatici irascibili superarono presto la popolarità del suo amico.

La Disney ha superato tutti i suoi rivali durante gli anni della Depressione, aggiungendo talento vocale professionale e Technicolor ai suoi cartoni animati.

Nel 1937, offrì ai suoi concorrenti la più grande sfida di tutti: un adattamento lungometraggio di Biancaneve e dei sette nani, che utilizzò 750 artisti che crearono un quarto di milione di disegni al costo di $ 1,5 milioni di dollari.

Ha guadagnato sei volte quella quantità nella sua versione iniziale.

Eppure, per molti appassionati, l'animazione più eccitante del periodo (e negli anni '50) fu trovata alla Warner Bros.

Negli anni 1936-1937, lo studio (che bloccò i loro animatori in un bungalow remoto che soprannominarono "Termite Terrace") ha assemblato il team All-Star dei fumettisti: i registi Tex Avery, Chuck Jones, Bob Clampett e Frank Tashlin, oltre allo straordinario specialista della voce Mel Blanc e al direttore musicale Carl Stalling.

Lavorando in un concerto squilibrato l'uno con l'altro, hanno dimostrato che l'animazione comica classica era una rara combinazione di design, voce, effetto, carattere, tempismo e punto di vista.

Qualsiasi combinazione di quelli sarebbe divertente; avere tutti e sei contemporaneamente, come spesso faceva la Warner Bros, era esaltante.

La loro scuderia di celebrità bidimensionali era impressionante: Porky Pig, Daffy Duck, Bugs Bunny e, unendosi a loro dopo la seconda guerra mondiale, Sylvester e Tweety, Yosemite Sam, Pepe le Pew e Wile E. Coyote e il Road Runner.

Ciò che gli animatori hanno fatto con loro è stato anche migliore.

Ogni regista aveva il suo modo di interpretare il materiale e sebbene le differenze potessero essere sottili per lo spettatore medio, erano chiare agli animatori.

Tex Avery è ampiamente creato per prendere un personaggio di serie, Bugs Bunny, e investirlo con un personaggio definitivo per "A Wild Hare" nel 1940.

Secondo il suo biografo Joe Adamson, Avery ha detto, 'Che ne dici di un personaggio che non è solo fatto di nulla?

Viene fuori dalla sua tana del coniglio, ha una pistola in faccia, mastica la carota e dice "Che succede, Doc?'

Avery era conosciuto come un appassionato bavaglio che voleva i suoi cartoni per essere più forte, più veloce, più divertente e fu il primo animatore a far parlare i suoi personaggi al pubblico.

Per quanto innovativa fosse la banda della Warner Bros, resta il fatto che all'inizio degli anni '50, i cartoni animati per i film erano in declino.

Il sistema di studio si era rotto e i dirigenti non potevano più insistere sul fatto che gli espositori prendessero due o tre cartoni animati come parte del pacchetto di presentazione.

L'animazione, che era sempre ad alta intensità di manodopera, diventava sempre più costosa da produrre; persino la Disney stava tagliando.

Nuove unità di animazione stavano spuntando, alla ricerca di nuovi modi di fare le cose.

L'UPA è stato creato nel 1944 e ha ridotto i costi semplificando la profondità visiva dei personaggi e l'astrazione degli sfondi.

Hanno chiamato il processo "animazione limitata" e i loro nuovi personaggi erano Gerald McBoing-Boing e Magoo.

La televisione aprì presto un nuovo mercato per i cartoni animati; l'accordo faustiano è stato un enorme calo di qualità e dettaglio.

Agli animatori non piaceva molto stroncare il declino artistico: il piccolo schermo rettangolare in bianco e nero dettava senza pietà ciò che sembrava buono e ciò che non lo era.

William Hanna e Joseph Barbera hanno bruciato la loro reputazione con Tom e Jerry, premiati con l'Oscarserie alla MGM; quando hanno abbandonato i film per lavorare in televisione, sono rimasti scioccati dai magri budget offerti dalle reti.

Per far funzionare i numeri, hanno creato uno stile di animazione ancora più limitato, spesso pixellando solo gli elementi mobili di un personaggio: la bocca, le mani (o le zampe).

A partire dal 1958, Hanna-Barbera introdusse nuovi personaggi direttamente in televisione: Huckleberry Hound, Yogi Bear e, nel 1960, creò la prima serie comica di mezz'ora, The Flintstones, che ebbe un enorme successo.

Se sei cresciuto negli anni '60, hai avuto a disposizione una scorta quasi illimitata di cartoni animati; ogni pomeriggio della settimana, alcuni affiliati locali stavano riconfezionando vecchi cartoni animati di Bugs Bunny o Popeye, e ogni sabato mattina c'erano quasi tre ore di programmazione animata su ciascuna delle tre reti principali.

Per non parlare di un intero serraglio di tigri, tonni e tucani che lanciano prodotti durante gli spot pubblicitari.

La qualità di questi divertimenti color caramello variava enormemente - sia come arte che come letteratura - ma erano onnipresenti.

Alcuni show sono usciti dal branco, come le varie incarnazioni di Rocky e Bullwinkle di Jay Ward, che erano assurdisti, argute accuse alle pietà della Guerra Fredda (anche se Chuck Jones ha scartato la loro crudezza visiva come "radio illustrata").

Mentre la televisione spesso mancava del virtuosismo per creare personaggi comici animati di prima qualità, hanno preso in prestito una quantità sorprendente di commedie di vita reale per innescare la marcia.

The Flintstones erano versioni della Stone Age di The Honeymooners e un altro spettacolo in prima serata di Hanna-Barbera, Top Cat, era un adattamento felino di The Phil Silvers Show.

I creatori di Amos 'n' Andy sono riemersi dopo una decennale assenza per creare una fregatura animata chiamata Calvin e il colonnello.

Versioni del seminterrato d'affari di Laurel e Hardy, Abbott e Costello, Laverne e Shirley, Jerry Lewis, Fonz, Mask e Three Stooges (una volta come esseri umani, la seconda volta come robot) hanno fatto il sabato mattina, ma persino i migliori cartoni animati presi in prestito dai loro progenitori tridimensionali - chi non riconosce un colpo di WC Fields in Mr. Magoo, un accenno di Groucho in Bugs Bunny, una parodia del senatore Claghorn in Foghorn Leghorn?

Una furbesca combinazione con i limiti dell'animazione televisiva, della tecnologia informatica, della libertà delle reti via cavo e di un brillante pensiero imprenditoriale contribuiscono, benissimo, a rianimare il campo all'inizio degli anni '90.

La Disney ha trovato un modo per riprendere la sua antica magia da lungometraggio inserendo musical in stile Broadway con The Little Mermaid e The Lion King, due importanti successi che hanno generato innumerevoli imitazioni sia in Disney che in altri studi, spesso nuovi di zecca.

Cartoon Network è stata aggiunta al sistema via cavo nel 1992, alla fine acquisendo i cataloghi Hanna-Barbera e Warner Bros mentre sviluppava cartoni animati estremamente creativi, come Dexter's Laboratory e Powerpuff Girls.

MTV ha preso la propria libertà in un'altra direzione, usando un'animazione crudamente concepita per fornire tali scansafatiche contro-cultura come Beavis e Butthead e Daria direttamente al pubblico di Generazione X.

Il talento comico di prim'ordine non era più ridotto al purgatorio del sabato mattina; comici come Nathan Lane, Robin Williams, Eddie Murphy, Ellen Degeneres, Billy Crystal, Woody Allen, Tim Allen, Mike Myers, Roseanne Barr e Jerry Seinfeld si lanciarono allegramente sul carrozzone voice-over, fornendo personalità d'autore di tale dimensione in animazione cartoni animati che spesso venivano fatturati sopra il titolo di un film in cui non apparivano mai.

Nel 1997, The Simpsons ha battuto il record dei Flintstones per la maggior parte degli episodi di cartoni animati in prima serata consecutivi, e continuano a sbancare.